14/12/10

Top 10: Canciones del 2010


Why Sue Girl Talk rules in 2010


En diciembre prácticamente todos los sitios y blogs tienen algo que decir con respecto a lo mejor que nos dio el año que termina. En el caso de los interesados mayoritariamente en todas las cosas indie, puede parecer que todos tuvieran los mismas canciones en rotación en el iPod durante 365 días, y en cierta forma es verdad, pero igual todos siempre tenemos algo diferente que decir o mostrar detrás del amor universal por Animal Collective.
En fin, hubiera sido fácil hacer una lista de las 50 mejores canciones, incluso 100 con la enorme cantidad de buenos lanzamientos que hubo en el año. Sin embargo me pareció mejor hacer un Top 10 por dos razones. Primero por una cuestión de fidelidad hacia el formato del Top 10 que ya se volvió característico del sitio. Pero sobre todo porque es mucho más interesante leer una lista con una cierta justificación o explicación de las selecciones, y no simplemente una serie de canciones una después de otra sin la mínima reflexión de porque están ahí. Ésto lo hace no sólo mucho más interesante, pero también más digerible para el lector.
En el momento de compilar la lista, lo que más me sorprendió fueron la cantidad de canciones que me pareció que tenían el nivel para estar en el Top 10, fácilmente unas 30. Lo cual me hace sentir muy bien con el año musical que tuvimos en general y sobre todo con ésta lista.




10. Mount Kimbie - "Before I Move Off"
[Hotflush]

Es difícil entender como las dos personas detrás de Mount Kimbie son capaces de hacer una pieza tan extraña y enigmática como "Before I Move Off", tan rica de influencias que van de experimentación electro-acústica tipo Fennesz y manipulación vocal bailable tipo Bibio en "Fire Ant" para hacer algo que de verdad sea digno de llevar el nombre de "Intelligent Dance Music". Tal vez porque estábamos acostumbrados a que música así de inquietante siempre viniera de personalidades tan desconcertantes como Burial o Kode9 & the Spaceape y no dos tipos casi tan regulares como Mike Skinner.






9. The Morning Benders - "Promises"
[Rough Trade]

Me gustan mucho las guitarras, pero sobre todo cuando logran salir buenos riffs de ellas. Lo cual es raro para una banda como The Morning Benders que ganó mucha más atención por los arreglos y las progresiones de acordes lentas que les permitieron lograr su propia canción philspectoriana. Pero por más que me encante "Excuses", tengo que escoger "Promises" entre las dos primeras canciones del segundo álbum de la banda, no sólo porque es el mejor riff del año, pero también porque es una celebración del riff como frase musical, en como toda la canción se construye alrededor del riff, con el coro y todas las transiciones logran construir una enorme anticipación hacia ese maldito riff, y lo hacen tan absolutamente grandioso.






8. Kanye West - "All of the Lights"
[Def Jam / Roc-A-Fella]

Si hay algo que de verdad incompresible de algunas personas que escriben sobre música pop, es como cuando hay alguna canción con una especie de amor casi unánime, llegan a la conclusión que es una especie de canción pop universal a la cual todo mundo le rinde culto en conjunto cada vez que suena en un lugar. Personalmente, a mi nunca me gustó "Hey Ya!", es una canción que ni siquiera tiene hooks y con la cual apenas se puede bailar, nunca entendí que tenía de universal que no podría tener SpottieOttieDopalicious. Totalmente lo opuesto a "All of the Lights" es que está increíblemente repleta de buenos hooks: los arreglos orquestrales, el piano de Elton John, cada intervención de Rihanna hubieran sido suficientes para hacer una excelente canción pop. Eso es lo que pasa con Kanye (post-incidente-VMA Kanye ), cada canción en My Beautiful Dark Twisted Fantasy es como una colisión de todas las cosas que hacen a la música pop genial, y "All of the Lights" es la pieza central en el disco de la fuente inagotable de creatividad que es Kanye West. "All of the Lights" es tan buena que es lo más cerca que ha estado Kanye de una canción pop universal, o como les guste llamarlo.






7. Beach House - "Real Love"
[Sub Pop]

No sé que pensar de o con qué relacionar una banda como Beach House en el contexto de digamos, indie rock/pop en el 2010. Si uno va a last.fm verá que la primera banda catalogada como similar a Beach House es Best Coast. No sé que tan importante será el parecido del nombre para determinar la similaridad entre artistas en last.fm, pero es casi un insulto a Beach House recomendarle a alguien que escuche Best Coast si le gusta por ejemplo Teen Dream. Porque si tomamos "Real Love", aunque no dice mucho líricamente ("I met you" quien sabe cuantas veces), sí logra en toda la melancolía de ésas notas de piano, en esa guitarra suspirante, en la voz casi masculina de Victoria Legrand, o simplemente en su acercamiento sencillo y honesto y clásico hacia sus composiciones una trascendencia que ninguna banda indie/lo-fi estuvo cerca de alcanzar en 2010. Es fácil pensar que una estética lo-fi se utilice como referencia directa al pasado, pero el nuevo estilo de Beach House es una referencia mucho más interesante en su revitalización de la producción sofisticada y buenas vocales del sunshine pop.






6. James Blake - "Limit to Your Love"
[ATLAS]

A principio de año se oye hablar de un músico inglés llamado James Blake que está haciendo música electrónica, caracterizada principalmente por una importante manipulación de voces humanas, progresiones de jazz y soul y muchos samples de R&B, en algo muy cercano al dubstep excepto que no es realmente dubstep. Pero en octubre, James Blake lanza "Limit to Your Love" un cover de Feist que casi no tiene manipulación sobre vocales pero más bien su propia voz... cantando... de verdad. Cantando como canta Feist en la original, como si de verdad fuera una canción pop, excepto que no es precisamente una canción pop. Es un arreglo minimalista de acordes de piano y mid-tempo beats por un compositor electrónico que aparentemente tiene una voz muy linda, y tiene igual de éxito en sus música electrónica demencial como en un cover de Feist. Nada mal.






5. Sleigh Bells - "Rill Rill"
[N.E.E.T. / Mom & Pop]

No soy un fan de los samples obvios, y no me gustan para nada los mash-ups tipo Girl Talk (¡sorpresa!). Porque la mayoría de las veces es excesivamente fácil simplemente samplear un buen riff o una buena melodía y dar la impresión de que sucedió una especie de stroke of genius. Pero me he dado cuenta que la línea es muy delgada en lo que a samples se refiere, y en realidad tal vez no hay una razón en particular para celebrar "Bittersweet Symphony" o "Paper Planes" o "Rill Rill" en vez de cualquier basura que haga Girl Talk. Supongo que algunos samples, como los de Girl Talk, simplemente remiten al original de manera inevitable y no puedo pensar que su utilización haya desembocado en algo interesante, lo único que logra es recordarnos lo buena que es la original. Pero otros más bien parecen frescos en su nuevo contexto y se siente que hay una especie de independencia con el original, como si en la nueva canción se le hubiera encontrado un propósito diferente, tal vez hasta mejor.






4. Harlem - "Gay Human Bones"
[Matador]

De todos los pequeños artículos que conforman el Top 10, éste es el que escribí de último y de lejos el que más me costó. Y me doy cuenta que es porque ésta canción me hizo sentir vulnerable en cuanto a mis gustos musicales casi todo el año. En cierta forma me parecía normal tratar de evitar un disco llamado Hippies, además con esa portada y de un grupo que parecía ser otra banda hipster minimalista por excelencia, más preocupada en parecer salida de 1965 que del 2010. Pero "Gay Human Bones" fue una verdadera lección de humildad, de como una banda en apariencia regular y "trendy" es capaz de hacer una canción pop tan atemporal, con buenos riffs, un hook que patea traseros, letras desconcertantes y hasta un solo excelente que pasa casi desapercibido detrás de la línea de guitarra principal. Como si alguna vez se hubiera necesitado algo más para hacer una buena canción.






3. Gonjasufi - "Sheep"
[Warp]

A veces me gustan mucho las cosas que no tienen sentido. La primera vez que escuché "Sheep" fue una de ellas. ¿Qué sentido se le puede encontrar a la congregación de una guitarra acústica enterrada en algún 33 RPM de algún lugar extraño de la Tierra, una voz femenina que parece salida de Columbia Estéreo (los no-ticos no van a entender) y el único componente no pregrabado o sampleado (la voz de Gonjasufi) aquí en su versión más sucia y desgastada que puede haber? Supongo que es el tipo de cosas que salen de la cabeza del productor Gaslamp Killer. Como abandonar esa melodía sirénica por los gemidos de algún cantante hindú y su sitar, con Gonjasufi ilustrando esa oposición con algún un relato psuedo-poético y extraño de ovejas y leones, que ha llevado a interpretaciones diametralmente opuestas. Ese tipo de cosas.






2. Ariel Pink's Haunted Graffiti - "Round and Round"
[4AD]

Siempre ayuda mucho tener plata. Que lo diga Kanye West quien después de 3 éxitos masivos puede darse el lujo de hacer una ridícula oda al auto-tune o también el disco más aclamado del año junto con su propia película. Para Ariel Pink, el firmar con 4AD significó pasar de grabaciones caseras de mala calidad que podrían sonar en una estación vieja de los 80's, a grabaciones en estudio con una banda completa que podrían sonar en una estación vieja de los 80's. Porque Ariel Pink a pesar de las evoluciones que puedan tener él o su banda siempre va a estar trabajando alrededor de esa misma estética de "pop nostalgia" como alguien la caracterizó en Wikipedia. "Round and Round" es de lejos la canción más absorbente que haya hecho Ariel Pink, porque esa línea de bajo y ese "hook" son simplemente "pop nostalgia" como nunca se había escuchado.






1. Women - "Eyesore"
[Jagjaguwar]

La reseña de Public Strain en Cokemachineglow dice que "Eyesore" es la "B-Boy Bouillabaisse" del indie rock, estableciendo una de las paralelas más extrañas entre los mundos del indie y del hip-hop, como si uno se imaginara al mismo tipo de persona escuchando Public Strain y Paul's Boutique. Pero al mismo tiempo también es clara y precisamente lo que representa "Eyesore". Ahora es cierto que no tiene una estructura de collage entre diferentes partes que se sienten independientes la una de la otra, porque "Eyesore" si bien es (como lo es disco entero) una especie de yuxtaposición de sonidos que no tienen nada de nuevo ni original, no tiene ese sentido de independencia estricta entre las partes. Es todo en realidad más como una unión de todas éstas secciones distintas que lleva a algo más importante y revelatorio, como una especie de conjunto de sonidos apuntando a algo en específico en la historia del indie rock y transmitido a través de las guitarras de ésta banda canadiense, concluyendo con esa melodía que se apaga lentamente al final. Y es verdaderamente extraño que alguien logre hacer esto con guitarras, y en el 2010 cuando todo músico que logra densificar referencias musicales al pasado lo logra a través de un collage pop o como quieran llamarlo, más que una composición tradicional rock con sus vocales, guitarra y batería.

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