26/2/11

Top 10: Películas del 2010



Film Capitalisme


Tarde pero seguro, un día antes de la ceremonia de los Oscar, nos sentamos a escoger nuestras películas favoritas del año. Gracias a los famosos DVD Screeners pudimos ver una buena cantidad de cine interesante en el 2010 y compilar una lista más que satisfactoria. Los criterios para decidir si una película es del 2010 o no, son bastante flexibles. Por lo general se utilizó como guía el “theatrical release” en Estados Unidos, pero para películas que por ejemplo salieron en Europa en 2009 y en Estados Unudos en 2010, prevaleció el año en el cual la vimos.
En fin, como todos los años hubo muy buenas películas que vinieron de los cuatro rincones del mundo, y que más allá de la escasa oferta en los cines ticos, pudimos ver y disfrutar.




10. Carlos
(Dir. Olivier Assayas)

Empezamos el recuento con un poco de polémica, ya que muchos consideran que Carlos no es una película, sino una miniserie de televisión. Es ambas cosas en realidad. La obra fue proyectada, en sus glorioso formato de cinco horas y media, en el pasado Festival de Cannes. Un par de semanas después fue emitida en tres partes por la cadena francesa Canal+. En julio, se estrenó en los cines franceses una versión de poco más de dos horas y media. Luego se estrenó en Estados Unidos bajo un formato similar. Recomendamos sin embargo ver la versión completa, con pausas si así lo prefieren. Carlos es un excelente biopic que retraza el apogeo y la posterior perdición y captura de Ilich Ramírez Sánchez, alias Carlos el chacal, terrorista venezolano que luchó en nombre de la OLP. La interpretación de Édgar Ramírez, que se dio a conocer en Venezuela por su papel de “Cacique” en la telenovela Cosita Rica, es sobresaliente y le deseamos una gran carrera lejos del mundo de las soap operas latinas.





9. Blue Valentine
(Dir. Derek Cianfrance)

La historia de una pareja que se enamora y desenamora no es algo nada nuevo en el mundo del cine. Pero Blue Valentine, no es la típica historia de amor y desamor. Ésto por la construcción del relato, que hace ida y vuelta entre el momento en que la pareja se conoce y el momento en que comienza su separación, haciéndonos vivir la evolución de la relación a través de escenas diametralmente opuestas. A ratos capturando toda la pasión de los inicios de una relación, y a ratos la frialdad y egoísmo en los cuales cae la pareja.
Y por supuesto, las excelentes interpretaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams sólo hacen que cada escena que pasa sea más dura de ver, haciendo subir en intensidad tanto el amor que sienten en sus primeras semanas juntos, como el disgusto que eventualmente llega a nacer entre ellos.





8. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives
(Dir. Apichatpong Weerasethakul)

Es un poco difícil caracterizar el cine de Apichatpong. Tropical Malady consistía en una especie de doble relato sobre un romance homosexual seguido por un soldado persiguiendo al fantasma de otro por la selva, o algo por el estilo. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, Palma de Oro en el Festival De Cannes, por su parte es una historia sobre una humilde familia en la Tailandia rural, y un hombre cercano a la muerte que incluye la aparición de un hombre mono hablante, una mujer fantasma, una especie de princesa que tiene relaciones sexuales con un pez y una familia aparentemente petrificada por la televisión. Pero más allá del evidente gusto de Apichatpong por los relatos un poco torcidos, siempre se mantiene fiel a su estilo visual, capturando la belleza de los paisajes que rodean a sus personajes y de las situaciones casi cómicas y poco convencionales de sus historias. Algunos le han llamado a ésto el cine del futuro, otros la historia del cine. NO COMMENT.





7. Tournée
(Dir. Mathieu Amalric)

No, este no es un remake de la película protagonizada por Cher y Christina Aguilera, que por desgracia no hemos podido ver aún. Tournée es una realista y melancólica descripción de la vida tras bastidores de cinco mujeres y un hombre que forman parte de un show de neo-burlesque estadounidense, de gira por Francia con su manager galo (interpretado por Mathieu Amalric, director y guionista de la obra). La película combina perfectamente las absurdas pero entretenidas escenas del show y los momentos más intimos en los hoteles, trenes y diversos lugares que visitan durante su estadía. Esperemos que ahora Mathieu Amalric, cuyo largometraje anterior se había estrenado en 2001, no se tome tanto tiempo para compartir su próxima creación.





6. Inception
(Dir. Christopher Nolan)

De esta película se seguirá hablando muchísimo en los próximos años, dada la complejidad de su trama y las diferentes interpretaciones que se pueden formular. Sin embargo, Inception es también estéticamente uno de los blockbusters más elegantes que hemos visto, y eso se debe en gran parte a la visión de su creador Christopher Nolan.
Con esta película, Nolan creó un éxito masivo de taquilla que no estaba basado en ningún libro famoso, en ningún cómic, en ninguna serie de tele ni en una película anterior. Todo salió de su cerebro y si a ésto le sumamos lo que consiguió con The Dark Knight en 2008, Nolan tiene actualmente carta libre para hacer y conseguir lo que le dé la gana en Hollywood (excepto recibir una nominación al Oscar como Mejor Director…).





5. Dogtooth
(Dir. Giorgos Lanthimos)

A veces los conceptos más interesantes para una película pueden terminar en algo un poco decepcionante. Por ejemplo, una idea como la de Cloverfield, sobre unos amigos que capturan la llegada de un monstruo a Manhattan con una cámara digital, obliga a cualquiera a ver la película, y si bien tampoco es de mala calidad, el resultado final le queda muy corto a la idea inicial.
Dogtooth por su lado, parte de la idea de unos padres en Grecia que tienen a sus hijos veinteañeros prisioneros en la casa desde el nacimiento y los manipulan constantemente para evitar cuestionamientos con respecto a su situación y lo que puede haber en el mundo exterior.
Si bien pudo haber caído fácilmente en estereotipos dualistas, Dogtooth es más bien una especie de comedia negra, mucho más interesada en retratar los aspectos tanto perturbantes como cómicos de las consecuencia de tener a estos jóvenes aislados del mundo exterior, que en dar una lección sobre la manipulación de los niños.
Ya sea las ridículas competencias a las que son forzados, las palabras de las cuales no deben conocer el verdadero significado, las explicaciones a fenómenos como los aviones que sobrevuelan la casa, Dogtooth no sólo es impresionante por su inventividad y tratamiento estético, sino por la manera en que perturba como pocas películas son capaces de hacerlo.





4. Exit Through the Gift Shop
(Dir. Banksy)

A menudo hay que preguntarse cual es el interés de ver películas. Más allá de las evidentes razones sobre su capacidad para entretener o también para instruir, de vez en cuando aparece una de esas películas que cuestiona algo de una manera poderosa, casi inapelable, y que lo deja a uno pensando si todo en lo que uno creía sigue siendo válido.
Exit Through the Gift Shop, documental del incógnito artista de graffiti Bansky, logra esos tres objetivos. En su viaje a través del mundo del graffiti, por medio del ascenso a la fama de Thierry Guetta (ahora mejor conocido como Mr. Brainwash), Banksy logra no sólo contar una historia muy entretenida e instruirnos sobre ese misterioso mundo del arte callejero, pero sobre todo levantar una infinidad de preguntas sobre como percibimos y consumimos el arte en éstos tiempos de excesiva información.





3. Toy Story 3
(Dir. Lee Unkrich)

Hace unas semanas, el sitio inglés especializado en cine “The Shiznit” hizo una parodia del poster de Toy Story 3, cambiándole el título a You’re Going to Cry. Ese nuevo título es adecuado, pero incompleto. Habría que ponerle más bien You’re going to cry, laugh, smile, be thrilled, scared and kept to the edge of your seat for an hour and a half.
En el pasado verano, Toy Story 3 se convirtió en la película animada más taquillera de la historia y confirmó el estátus de Pixar como estudio de Hollywood más exitoso y respetado en la actualidad. Esta tercera aventura presenta toda la ingeniosidad, el humor y la maestría artística de Pixar, y nos atrevemos a afirmar que se trata de la película más completa que han producido.
Hay decenas de elementos memorables en Toy Story 3, pero vamos a destacar la manera en que Pixar supo renovar la saga con nuevos personajes, especialmente Ken (“I’m not a girl’s toy! I’m not!”) y el villano Lotso, un peligroso oso de peluche color magenta, con acento sureño y olor a fresa.
La película será también recordada por su conmovedor final, razón por la cual se podría llamar You’re Going to Cry, una secuencia de adiós que le pone un brillante punto final a la saga.





2. Winter's Bone
(Dir. Debra Granik)

Muy poca gente ha visto Winter’s Bone, segundo largometraje de Debra Granik, pero está disponible en DVD y otros medios menos ortodoxos desde hace ya tres o cuatro meses. En la película, Jennifer Lawrence interpretra magistralmente a una joven de 17 años que vive en la pobreza con sus dos hermanos menores y debe encontrar a su padre, quien está en libertad provisional y es fabricante de metanfetaminas, para no perder su casa.
La película es valiosa no sólo por el sorprendente trabajo de Lawrence, sino también por la manera en que ambienta y retrata la lúgubre y peligrosa comunidad rural de Missouri en la cual se desarrolla la historia. Ofreciendo una visión tan crítica como trágica del olvido en el que caen ciertas comunidades en los Estados Unidos, Winter's Bone llega a ser como una especie de The Wire en ambiente rural y en menos de dos horas.





1. The Social Network
(Dir. David Fincher)

Cuando la filmación de esta película fue anunciada hace un par de años, parecía un proyecto con el cual David Fincher se quería divertir un poco después de la seriedad de Zodiac y Benjamin Button. El guionista Aaron Sorkin venía de escribir la ya olvidada comedia política Charlie Wilson’s War, y The Social Network parecía ser algo del mismo estilo y tono. Estábamos muy equivocados. The Social Network terminó siendo, gracias al genio de Fincher y Sorkin, una de las mejores y más aclamadas obras cinematógraficas de este inicio de siglo.

Uno de los méritos principales del director David Fincher es el haber creado una atmósfera vibrante, llena de tensión y suspenso alrededor de las escenas judiciales y de informática escritas por Sorkin. El guión presenta una infinidad de diálogos memorables y está estructurado en función de los diferentes puntos de vista de los personajes principales, un poco al estilo Rashomon de Kurosawa, sólo que de manera más acelerada. Los actores parecen haberse deleitado con el material, especialmente Jesse Eisenberg, quien fue capaz no sólo de mostrar las facetas más desagradables de su personaje Mark Zuckerberg, sino también de expresar su lado brillante y generar una cierta simpatía.

The Social Network se afirma como obra maestra en su escena final, la cual completa definitivamente el retrato de Zuckerberg. En esa secuencia, el personaje queda solo delante de su laptop, enviándole una friend request en Facebook a su antigua novia, la misma que lo rechazó en la escena que abre la película.
Esta conclusión nos revela el tema principal que intenta vehicular la película y que corresponde a esa idea de que las creaciones más ambiciosas y revolucionarias surgen a partir de frustraciones personales. Al igual que el trineo Rosebud simbolizaba en Citizen Kane la infancia y la felicidad que Charles Foster Kane se vio obligado a abandonar para encargarse de su imperio naciente, la creación de Zuckerberg en The Social Network tiene su origen en el rechazo sentimental y conduce al personaje a un estado de aislamiento. El propio David Fincher describió a The Social Network como una “Citizen Kane para la era digital”. Efectivamente, la película es un reflejo del período en el cual se desarrolla. Es, por lo tanto, una obra que define nuestro tiempo.


- Pierre & Manuel Lestruhaut

2 comentarios:

  1. Tengo que admitir que Carlos me aburrió un poco, por lo que pondría a Black Swan en lugar de ella... Pero debe darle unos extra cool points a Edgar Ramírez por haber escrito su discurso de aceptación del César de mejor actor revelación en su Blackberry (aunq q habría sido aun más cool en un iphone y si el discurso fuese bueno..).

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  2. De hecho Ari, Black Swan y Carlos fueron objeto de discusión con respecto a cual de las dos tenía que ocupar ese décimo puesto. Al final creo que nos fuimos por Carlos tal vez por la originalidad y ambición del proyecto. Igual Black Swan nos encanta, pero sólo podíamos meter a 10.
    Un abrazo.

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